關於藝術品的價值,要從馬塞爾·杜尚(Marcel Duchamp)說起。1917 年的紐約秋季沙龍評委會拒絕了匿名作品「泉」,一個倒掛的小便池,為此杜尚退出了評委會。

當前杜尚的「泉」已經超過畢卡索的大作「亞維農」的少女,成為 20 世紀最具影響力的藝術作品。杜尚為什麼要這麼做呢?他在寫給好友漢斯·李希特(Hans Richter)的信中說:當我發現「現成品(Ready-made)」的時候,我是想通過它來減弱人們對美學的吹捧。

但是新達達主義者想在「現成品」中尋求美學價值。我就把「晾瓶架」和「小便池」拋出來刺激他們,結果沒想到他們真地欣賞它們的「美感」。

▲《泉》杜尚 1917/1964,瓷,360 × 480 × 610mm 原作 1917 年首展於紐約後遺失

There really is no such things as Art. There are only artists。沒有藝術,只有藝術家。

—– Ernst Gombrich 貢布里希

其實藝術本身離我們並不遙遠,甚至進到觸教可及,就像時下正火的共享單車,將其拆解並重新組裝不就成功的複制除了畢加索同學著名的構成主義經典之作,藝術分前提是創新和大膽的嘗試。(破壞公共設施,處五日以下拘留或五百元以下的罰款,情節嚴重的處五日以上十日以下的拘留可以並處我百元以下的罰款 👮👮💰💰)

1914 到 1918 年間,主戰場為歐洲的第一次世界大戰讓人類再次經歷了除瘧疾等其他致死率極高病毒之外人類又一次浩劫,15 億人口被捲入了這場戰爭,3000 多萬的傷亡,這無疑是人類發展史中又一次揮之不去的污點,各個參戰國都為之付出了沉痛而又無法挽回的代價,世界格局因此又再次重新被劃分,背後便是大國之間的政治軍事之間的博弈,但是對於整個人類來說,這場戰爭對於人類價值觀宗教信仰都產生了巨大的改變,無疑對今後藝術發展的流派也產生了巨大的推動和影響 。(看來我們還需要另一場世界大戰🔫💣讓我們的文藝再次復興起來。😝🕊)

1916
ZÜRICH

DADA

達達主義是二十世紀初在歐洲產生的一種資產階級的文藝流派,當時的一些藝術家,包括詩人、畫家、攝影師、雕塑家等組織起來的藝術運動。

在 1916 年成立於一戰中保持中立的蘇黎世,達達主義的理念有「反對藝術」(Anti-art),「反對戰爭」(Anti-war),「反對資產階級」(Anti-bourgeois)等。很多達達主義藝術家相信,是「理性」資本主義社會的「邏輯」導致的戰爭。

達達主義是一種無政府主義的意識運動(真好!那時候的人們的思想就已經如此之超前,不需要政府,那我們以後就不需要納稅了🙉😄)從這裡我們不難看出,它對於當時社會秩序和社會準則在藝術的層面對於那些墨守成規的學院派的一種質疑對於傳統強權的一種挑釁,對於當時所有藝術的標准進行激烈的抨擊,公開進行集會示威,在達達主義的刊物之中對於藝術政治文化都發表者自己獨特而又激進的言論。

▲ Marcel Duchamp,1887–1968

▲ Sunday morning

許多達達主義者認為達達不是一種藝術,當然也竭力去反對一切當時一切主流的藝術,看似有些矛盾的藝術卻從背後反映出了對於當時社會的形態一種質疑,當時人們所有的美好的意識形態都毀於一次世界大戰,對於藝術卻又相當敏銳嗅覺的藝術家們用自己擅長而又敏銳的嗅覺去從藝術的角度深挖它的本質,將那些包裝於義正言辭之下而包裹著殘酷又血腥的戰爭動機的政治軍事家抨擊的體無完膚,從個人角度去看待這樣的對立,更多是階級的對立意識的對立,當然包括無政府主義也是一種主義,無態度無思想其實也是一種抽離原有意識形態的態度和思想。

對於那個年代成長起來的不論是藝術家還是普通民眾,從殘酷戰爭中存活下來的人們對與所處的生活環境與政治制度對產生了懷疑,這也是產生兩極分化的關機時期,包括對於宗教對於自己的信仰也有動搖,對於精神世界的需求就顯得更加迫切,所以此時達達主義應運而生為了時代的需求,踩著七彩祥雲🌈便來到了我們身邊😍。通過達達主義的書籍刊物也能感受到當時世界格局下的新思想與新浪潮。

而近代比較有名的普普藝術也是來源於達達主義,二十世紀五十年代誕生於英國,其反對一切虛無思想,通過塑造那些誇張卻又寫實的事物來去表達自己的思想。

普普風格這個詞來自英語的 Popular(大眾化),二戰後出生的新生一代對於風格單調、乏味枯燥的現代主義更傾向於在作品中展示自我,所以在當時特殊的歷史背景下面英國的波普思想和二戰後美國大眾文化包括電影音樂繪畫消費文化都產生了相應的結合,加上西方文化向世界各國的文化輸出,普普藝術流派得到空前推廣,直到現在還有許多藝術家仍舊是普普藝術的狂熱追隨者。

1950

Andy Warhol

說到近代普普藝術不得不提到一位那就是安迪沃荷,一位充滿了正義的藝術家,童年患「風濕性舞蹈症」的神經系統疾病,讓其足不出戶也許正是那段時間的所閱讀大量的彩色雜誌漫畫等,對成為今後波普大師產生了深遠的影響。

▲ The Velvet Underground

安迪沃荷的第一件創作是可口可樂。「你在電視上看到可口可樂時,你可以知道總統喝可口可樂,利茲·泰勒喝可口可樂,你也可以喝可口可樂。你喝的可口可樂和別人喝的一樣,沒有錢能使你買到比街頭流浪漢喝的更好的可口可樂。所有的可口可樂都是一樣的,所有的可口可樂都是好的。」他琢磨著,為什麼可口可樂不能成為藝術品?安迪沃荷痴迷商業化,他的一生都糾纏於商業藝術。也在當時激怒了很多的藝術家,認為他過於浮躁。

在卡耐基梅隆大學學習商業藝術,並擔任還擔任了校內報紙《CANO》的編輯,在這裡也漸漸形成了他標誌性的插畫風格,包括在離開匹斯堡孤身前往紐約,不計其數的挫折甚至是羞辱對於他日後所創作的波普藝術作品也起到了風格熟成前的積澱, 沃霍爾的影響已經超越了藝術並且延伸到了音樂和電影,在 1965 年,安迪沃荷遇見了 Paul Morrissey,他給安迪沃荷介紹了 The Velvet Underground 的一個演出。

安迪沃荷和樂隊的藝術興趣相似,還設計了 1967 年樂隊的專輯封面,一隻黃色的香蕉,這張專輯在滾石雜誌選出的 500 張歷代最強專輯中排名第 13 位。像他的很多作品一樣,Campbell 罐頭的的版畫來自於一個折衷的想法。在一次宴會上,安迪沃荷的朋友 Muriel Latow 建議他繪畫罐頭的作品,後來他畫了 32 副罐頭作品,畫面上,呈現出來的圖案簡潔明朗,帶有一種干淨的、幾何形的、機械的模式,碩大的 logo 宣告著它的商品身份。後來他通過這 32 幅系列畫舉辦了自己的首個波普藝術展,至今這 32 罐罐頭仍在世界現當代美術史上佔據一席之地。

對於他的作品,哈羅德·羅森伯格曾經戲謔地說:「麻木重複著的坎貝爾湯罐組成的柱子,就像一個說了一遍又一遍的毫不幽默的笑話。」他偏愛重複和複製。「我二十年都吃相同的早餐,」他解釋說:「我想這也是反复做同一件事吧。」對於他來說,沒有「原作」可言,他的作品全是複製品,他就是要用無數的複製品來取代原作的地位。他有意地在畫中消除個性與感情的色彩,不動聲色地把再平凡不過的形象羅列出來。

他有一句著名的格言:「我想成為一台機器」,恰與傑克遜·波洛克所宣稱的他「想成為自然」形成鮮明對比。他的畫,幾乎不可解釋,「因而它能引起無限的好奇心——是一種略微有點可怕的真空,需要用閒聊和空談來填滿它。」實際上,安迪沃荷畫中特有的那種單調、無聊和重複,所傳達的是某種冷漠、空虛、疏離的感覺,表現了當代高度發達的商業文明社會中人們內在的感情。

到底該怎樣去評價安迪沃荷,直到今天仍舊有很大的爭議,波普藝術家?電影製片人?作家?搖滾樂作曲者?出版商?迷戀浮華時尚的虛榮的人?他甚至同時具有灰姑娘和吸血鬼的人格特質。

時至今日,關於他的爭議還在發酵。有人認為他以重複、複製為特點的藝術作品不算原創、不值一提。無論爭議還將來得多麼猛烈,安迪沃荷已經在當代藝術史上書寫下了濃墨重彩的一筆,締造了真正可以對抗傳統的、商業的、消費的、平民的、世界性的藝術——一個消費時代的藝術神話。這不僅僅是指他的藝術作品,更指他的思想、生活和處理藝術的方式。

現在當人們動輒去消費千萬美金去購買那些大師的畫作時,我總是自問半個世紀或是一個世紀之前的思潮真的對我們那樣重要,亦或是那些作品真的或對我們現如今信息爆炸的時代有如此深遠的影響嗎?

最終我發現這樣的問題是完全沒有答案的,當 grunge 風靡全球知識,Kurt Cobain 依舊選擇用槍結束了自己的一生,然而後世的人們依舊對其趨之若鶩,深挖 grudge 的本質,其實本質本就是虛無的,完全是一種方式,最大的不同也就是和大多數所謂的主流有所異同而已,可能生存在同空間下尋求不維度的人類,就是對藝術的定義。

文章出處/ 麥芽 Malt
圖片來源/ 各藝術家

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